Julio, «Malagracia» es tu primer libro publicado. ¿Por qué esperaste hasta ahora para publicar tu primer poemario?

He publicado varios poemas en revistas de arte y literatura, pero la decisión de construir un libro con una voz poética conceptual surgió durante el proceso de transcripción a archivos digitales de mis cuadernos y manuscritos. Son muchos, y fue en ese trabajo donde comenzaron a revelarse los conceptos y las unidades internas de cada conjunto. Esta claridad me permitió identificar obras con coherencia suficiente para su publicación y reconocer el momento adecuado para hacerlo. «Malagracia» responde a ese proceso como libro inaugural. Sus versos fueron escritos hace aproximadamente veinticinco años, y su vigencia me llevó a asumirlos como una voz primigenia que transita por la urbe, entre sus personajes y lo absurdo de lo cotidiano.

Trabajas con poesía, fotopoética, música concreta y arte sonoro. ¿Qué pueden decir las imágenes y los sonidos que la palabra no puede?

La palabra articula significados, ritmo y afecto, pero no agota la experiencia sensible, especialmente en la atmósfera y la percepción corporal. La imagen y el sonido funcionan de forma distinta: lo visual crea una impresión inmediata, mientras que lo sonoro se percibe a través del cuerpo y el espacio. En «Malagracia», identifico escenas en los poemas: fragmentos que funcionan como secuencias, casi como pequeños planos cinematográficos nacidos de la palabra. Me interesa explorar esa condición y proyectarla hacia lo audiovisual. No se trata de jerarquías, sino de lenguajes que se enriquecen entre sí para construir una experiencia más amplia.

Desde 2018 diseñas talleres artísticos para niños y jóvenes neurodivergentes. ¿Qué te enseñan ellos sobre la creatividad?

En mi camino artístico siempre he tenido claro que la creatividad es un lenguaje natural, menos condicionado por expectativas externas. En ese sentido, el trabajo con mis alumnos no redefine esa idea, sino que la confirma desde la práctica. En muchos de ellos, la creación no responde a la lógica de agradar, sino a la necesidad de expresar, lo que permite observar procesos más directos y auténticos.

Esta experiencia también me ha permitido valorar una relación más directa con la creación, que reconoce el valor del borrador, del boceto o del primer registro. Cuando la creatividad es estimulada y se concreta en una obra, el participante reconoce su capacidad expresiva y fortalece su autonomía y su vínculo con su potencial creativo.

Diriges Validarte desde 2011 y fuiste reconocido por el Congreso en 2014 por accesibilidad cultural. ¿Qué falta para que el arte peruano sea verdaderamente inclusivo?

Falta mayor visibilidad, pero sobre todo continuidad. Existen iniciativas valiosas, aunque muchas veces son aisladas o de corta duración. Se requieren proyectos sostenidos en el tiempo que no solo estimulen, sino que apunten a resultados concretos y de mayor alcance. En el Perú hay mucho talento, y las personas neurodivergentes no son la excepción. Sin embargo, aún faltan espacios presenciales y virtuales donde ese trabajo pueda desarrollarse y mostrarse. La inclusión no solo implica acceso, sino también permanencia, desarrollo y reconocimiento dentro del circuito artístico y cultural.